Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 9 ottobre al 30 novembre 2018

La mostra “Rigenerazioni”, progettata appositamente per gli spazi della Galleria Anna Marra di Roma, presenta gli esiti più recenti (e gli sviluppi futuri) di questa autoriflessione di Aron Demetz sul metodo, i materiali e le finalità del fare scultura oggi. Il fuoco rigeneratore è elemento incorruttibile, causa prima unificante e scatenante, fiamma estinta, ma sempre latente, che fissa l’idea in una forma conferendo vita alla materia. “Rigenerazioni” congela per un lasso di tempo non determinabile a priori lo spazio autoriale di Demetz e rivela la grammatica espressiva del suo mutevole linguaggio rigenerativo. Che si tratti di legno o bronzo, di materiali naturali o inerti, di terre o scarti, il fuoco cambia forma (combustione, fusione o attrito) per aggredire la materia e rivitalizzarla per mano dell’artista: ‘Nulla si crea, nulla si distrugge, tutto si trasforma’ (Postulato fondamentale di Antoine-Laurent de Lavoisier).

The exhibition “Regeneration”, designed precisely for the spaces of Galleria Anna Marra in Rome, presents the most recent results (and future developments) of Aron Demetz’s self-reflection on the method, materials and objectives of sculpture today. Regenerating fire is the incorruptible element, the unifying and causative moving force, the flame out, though always latent, that fixes the idea in a form conferring life to material. “Regeneration” freezes for a moment in time which cannot be a priori determined Aron Demetz’s authorial space and reveals the expressive grammar of his changing regenerative language. Whether we speak of wood or bronze, of natural or inert materials, of earth or waste, fire changes shape (combustion, fusion or friction) to attack material and revitalize it through the artist’s intervention: ‘Nothing is created, nothing is destroyed, all is transformed” (fundamental postulate of Antoine-Laurent de Lavoisier).

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 6 marzo al 7 aprile 2018

In più di trent’anni di carriera, Bertozzi & Casoni hanno costruito il loro mondo interiore, quello «delle cose come sono dentro», nel quale il pensiero ha continuamente tradotto in immagini la loro interpretazione della realtà che si è esteriorizzata assumendo le forme della scultura ceramica. Sebbene a uno sguardo distratto queste sculture possano sembrare “copie del reale”, riproduzioni dal vero di ciò che già esiste sotto ai nostri occhi, per l’accuratezza nella finitura dei minimi dettagli, di fatto, invece, non parlano mai la lingua del realismo, ma quella più complessa del sembiante

Throughout their careers of more than 30 years Bertozzi & Casoni have built up their interior world, composed “of the things that are inside”, in which thought translates their interpretations of reality into externalized images that then take on form as sculpted ceramics. Though at first glance these sculptures might seem “copies of reality”, reproductions of that which already exists in our experience, because of the accuracy in the finishing touches of the tiniest details, in fact they only seem to speak the language of realism but rather are related to the more complex one of likeness

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 22 novembre 2017 al 30 gennaio 2018

Elvio Chiricozzi è un artista meticoloso che ha stretto un patto con il Tempo, nei suoi lavori esso scorre fuori da binari consueti. Non c’è un limite definito per pensare, progettare, mettere mani e concludere un progetto. La sua ricerca ogni volta trova tempi diversi, nuovi. E di rimando, non c’è un tempo preciso per entrare nelle sue opere. Chi si avvicina a un suo lavoro è consapevole di questo, è necessario non aver fretta ed è consigliato non consultare l’orologio. Negli ultimi anni l’artista si è dedicato a progetti imponenti, che prevedevano una preparazione senza limiti. L’indagine sulla figura umana, quella sui volatili, sono ricordate per l’immensa massa di lavorazione necessaria alla loro ultimazione, anche se poi i suoi lavori sembrano non dover finire mai.

Elvio Chiricozzi is a meticulous artist who has reached an agreement with Time, in his works it flows outside its normal path. There is no definite limit to thinking out, planning, working on and terminating a project. Every time his research finds new and different times. On the other hand there is no precise time to enter into his works. Those who approach his work are aware of this, it is important not to be in a hurry and I suggest you not look at your watch. In recent years the artist has mostly worked on large imposing projects that needed unlimited preparation. His investigation of the human figure, the work on birds are mentioned for the immense amount of work needed to finish them, though it seems his works never finish.

Nato a Viterbo nel 1965, inizia la sua attività espositiva nel 1989. Partecipa a numerose mostre in spazi sia pubblici che privati, tra le quali ricordiamo: Museo Laboratorio dell’Università La Sapienza, Roma (1994); XII Quadriennale d’Arte, Roma (1996); Museo Risorgimento, Roma (1999); Fori Imperiali, Roma (1999); Museo d’Arte Moderna di Ostenda-Belgio (2001); Vasby Konsthall, Stoccolma (2001); Parlamento Europeo, Bruxelles (2003); Ministero degli Affari Esteri italiano, Roma (2004); X Biennale di Architettura, Venezia (2006); Fondazione Volume!, Roma (2010); Casa delle letterature, Roma (2010); Castello di Rivara (2011); Muséè D’art Moderne et Contemporain, Saint Etienne (2015). Il suo lavoro fa parte della collezione permanente delle Nazioni Unite a Ginevra e dell’Ospedale Axena di Salonicco. Nel 2013 realizza un’installazione ambientale permanente per il Castello di Rivara, con la cura di Franz Paludetto. Vive e lavora a Roma.

Born in Viterbo in 1965, he started exhibiting in 1989. He participated in many exhibitions in both public and private spaces, among which: Museo Laboratorio dell’Università La Sapienza, Roma (1994); XII Quadriennale d’Arte, Roma (1996); Museo Risorgimento, Roma (1999); Fori Imperiali, Roma (1999); Museo d’Arte Moderna di Ostenda-Belgio (2001); Vasby Konsthall, Stoccolma (2001); Parlamento Europeo, Bruxelles (2003); Ministero degli Affari Esteri italiano, Roma (2004); X Biennale di Architettura, Venezia (2006); Fondazione Volume!, Roma (2010); Casa delle letterature, Roma (2010); Castello di Rivara (2011); Muséè D’art Moderne et Contemporain, Saint Etienne (2015). His work is part of the permanent collection of the United Nations in Geneva, and of the Axena Hospital in Salonicco. In 2013 he realized a permanent site-specific installation for the Castello di Rivara, curated by Franz Paludetto. He lives and works in Rome.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dal 18 maggio al 30 giugno 2017

Nonostante la mediazione della pratica dell’arte e il medium della tecnica e dei materiali, Paolo Grassino non perde mai di vista né il mondo reale che lo circonda né la società con le sue contraddizioni; anzi, ne trae gli spunti per criticare il presente e per offrirne la sua originale interpretazione. Rappresentare banalmente ciò che esiste è un atto di poco significato per l’artista, perché ciò che esiste è già sotto i nostri occhi, e quindi lo possiamo vedere e sperimentare direttamente; ancora meno significante è riprodurlo fedelmente, riducendo l’arte a un mero esercizio di stile. Dove questo accade, c’è assenza di arte. E Paolo Grassino lo ha capito perfettamente mettendo in scena la sua sostenibile visibilità dell’assenza.

Notwithstanding the
mediation of how he practices art and the medium of his
technique and material, Paolo Grassino never loses sight
of the real world that surrounds him or of society and
its contradictions; rather, these serve as his muses as he
criticizes the present and offers his original interpretation.
Representing banally what exists is, for the artist, an act with
little meaning, because what exists is right in front of him,
and so we can see and live it directly; still less meaningful is
a faithful reproduction of what we see as it reduces art to
a mere exercise in style. Where this happens, there is an
absence of art. And Paolo Grassino understands this perfectly
here he presents us his sustainable visibility of absence.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea

«Siamo quello che ricordiamo – ripete spesso Anna Caruso –e saremo ciò che ricorderemo». La componente temporale è, quindi, necessaria ed essenziale per comprendere il complesso impianto narrativo e l’iconografia sofisticata che caratterizzano i suoi dipinti: il filtro del tempo, che trascorre inesorabile, sbiadisce i ricordi individuali fino a cancellarne l’immagine psichica e allontana ciascuno di noi dall’”essere stato”, trasformando lentamente le vicende autobiografiche in una riflessione più universale e omnicomprensiva sul significato della memoria.

Often Anna Caruso repeats, “We are what we remember and will be what we will remember”. So the temporal element is necessary and essential to understanding the complex narrative and iconographically sophisticated system that characterises her paintings: the filter of time, passing inexorably, dimming individual memories until it cancels the psychic images and distances each of us from “have been”, slowly transforming autobiographic events into reflections on the universal and omnicomprehensive of the meaning of the memory.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea dall’14 gennaio al 20 febbraio 2016

La creatività è una condizione esistenziale che si sviluppa necessariamente nel tempo e nello spazio. Si alimenta della dialettica tra realtà e utopia e si esprime compiutamente quando l’artista prende coscienza della maturità del proprio linguaggio, impegnandosi in un campo di ricerca innovativo rispetto al panorama espressivo contemporaneo. Considerando da questo punto di vista il lavoro svolto fino a oggi da Maria Elisabetta Novello, è possibile affermare con sicurezza che lei ha già raggiunto la piena consapevolezza, e padronanza, del suo originalissimo modo di fare arte e su questi presupposti ha costruito una carriera professionale solida e di qualità. La sua forza risiede nella tenace ricerca della propria identità artistica attraverso l’uso di materiali molto particolari per comunicare la sua visione del mondo nelle forme dell’arte.

Creativity is an existential condition which is necessarily developed in time and space. It is nourished by the dialectic between reality and utopia and can only be fully expressed when the artist becomes aware of the maturity of his/her own language, while labouring in a field of research that is innovative as compared to the contemporary expressive panorama. As we look at the work Maria Elisabetta Novello has done up to today keeping this in mind it is possible to state with conviction that she has reached total awareness, and a mastery of her very original way of creating art and it is on and around these assumptions that she has established her reputation for quality and built her solid professional career. Her strength lies in her tenacious research into her real artistic identity through the use of very particular materials to communicate her vision of the world in artistic form.

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Catalogo della mostra presso la galleria AnnaMarraContemporanea

Davide Bramante usa la fotografia per osservare la complessità del reale, ma lo fa con uno sguardo che fuoriesce dalle regole comuni, con una maestria che gli permette di realizzare opere di sapiente grazia ed eleganza. nelle sue foto non c’è calcolo, né precisione.
Le fotografie di Bramante stabiliscono un dialogo con il mondo, spostandosi continuamente da una città all’altra, attraversando la natura metalinguistica dell’arte, superando i confini geografici, visivi e mentali.

Davide Bramante uses photography to observe the complexity of reality, but he does it with a gaze that which will not be contained by the common rules, with a mastery that allows him to create works of grace and elegance.
Bramante’s photographs institute a dialogue with the world, moving continuously from one city to another, crossing the metalinguistic nature of art, surmounting geographic, visual and mental borders.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dall’11 giugno al 31 luglio 2014.

Nella loro essenzialità i lavori di Emiliano e Luca non risultano né banali né superficiali, sono complessi e stratificati, e spesso pagano il prezzo di essere di difficile comprensione a un’analisi poco attenta. Il duo campano inventa un linguaggio originale e immediatamente riconoscibile, che, pur mantenendo come punto fermo la cartapesta, si rinnova e si evolve nel tempo adattandosi alle mutate e mutevoli esigenze della comunicazione.

“Maneggiare con cura” non è solo un esplicito richiamo alla fragilità intrinseca nel materiale cartapesta, ma è soprattutto un avvertimento per il pubblico, un monito a non guardare alle opere del duo campano con superficialità, un’esortazione ad andare oltre la materia e la tecnica per riflettere sul senso più profondo dell’impasto mediatico. Dalla fragilità della cartapesta – e dalla consapevolezza di essere fragili loro stessi – Perino & Vele partono per ricostruire una realtà diversa e ancora possibile. Stesa in fogli sottili e colorati, impastata in trapunte a scacchiera o resinata per diventare immune alle intemperie del tempo, la cartapesta costruisce forme e condensa significati, dialoga con lo spettatore attraverso la spontaneità del linguaggio visivo, per comunicare un messaggio nuovo, il punto di vista degli artisti sulla società e il tempo presente.

In their essentiality, the works of Emiliano and Luca are neither banal nor superficial, and often they pay the price of careless analysis making them too difficult to understand. The duo from Campania invented an original and immediately recognisable language that, though it always uses papier-mâché, it takes on new aspects and evolves over time adapting itself to the changed and changing needs of communication.

“Handle with care” is not only an explicit reference to the intrinsic fragility of papier-mâché, but above all it is a warning to the public, a warning not look at the works of Campania duo superficially, an exhortation to go beyond the material and the technique to reflect on the deeper sense of this mixture of media. From the fragility of papier-mâché – and from the awareness they themselves are fragile – perino & vele set out to reconstruct a different but still possible reality. laid out in thin colourful sheets, kneaded into checkered quilts or coated in resin making them immune to the weather, the papiermâché constructs shapes and condenses meanings, dialogues with the spectator using the spontaneity of the visual language, to communicate a new message, the artists’ points of view on society and our times.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dal 2 aprile al 24 maggio 2014

Nelle opere realizzate per la mostra da Anna Marra Contemporanea il linguaggio della Fiorelli è cambiato.
L’estremo rigore formale che da sempre contraddistingue le sue sculture è entrato in crisi. Il filo di cotone si allenta e si flette su se stesso fino a perdere la tensione strutturale e la facoltà ordinatrice: le geometrie ortogonali collassano e si contorcono, i piani paralleli vacillano e interferiscono, le ampie campiture nere avanzano sulle superfici annullando la corretta percezione della profondità e cancellando l’architettura del segno. La scultrice segue con destrezza l’inconsueto impulso creativo, costruisce trame complesse e vorticose, consapevole di arrivare a un punto di non ritorno – l’orizzonte degli eventi, appunto – oltre il quale ordine e disordine si fonderanno insieme nell’unità dell’opera. E sarà per lei un nuovo inizio, un ulteriore passo avanti nel suo modo di intendere la scultura. Gli esiti attuali della ricerca mostrano una Fiorelli più introspettiva, quasi malinconica, inquieta ma fiduciosa nel futuro del suo lavoro. Trasmette emotività al plexiglass, infonde espressività alla trama dei fili, elude la prospettiva alla vista. L’ordine del calcolo geometrico si piega all’impulsività dell’animo umano, che manifesta se stesso in andamenti vorticosi, cancellazioni di colore nero e disambiguità percettive. La mano di Emanuela si lascia guidare dal suo stato d’animo, segue l’indole e si libera dall’eccesso di ordine, intesse trame veloci più spontanee e irruente. La trasgressività del non-canonico rinvigorisce quella perfezione cristallizzata, spesso fredda e distaccata, di molti lavori precedenti. Sembra quasi che la Fiorelli stia riprendendo in mano il filo della sua vita.

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Catalogo della mostra tenutasi alla galleria AnnaMarraContemporanea dal 15 gennaio al 12 marzo 2014

Fabrizio Corneli ha fatto del dualismo tra calcolo matematico e imprevisto la sua forza poetica ed espressiva. La sua ricerca visiva nasce dallo studio di leggi ottiche molto complesse che spesso si scontrano con gli accidenti della realtà e che è possibile risolvere solo attraverso la prova empirica e l’esercizio dell’esperienza. Paradossalmente, anche se i lavori di Corneli sono la 9 dimostrazione visibile del rigore delle formule geometriche con le quali sono progettati, per contro devono necessariamente sottostare ai limiti imposti dalle conoscenze attuali nel campo della fisica e dell’ottica. Proprio nello scarto fisico e mentale tra prevedibile e imprevedibile risiede la complessità del processo creativo di Corneli, quella sospensione appunto “tra l’infinito e lo starnuto” che rende inafferrabile il fascino dell’imprevisto.

Fabrizio Corneli has made the dualism between mathematical calculation and the unforeseen the strength of his poetic and his expressive. His visual research originates in his study of the complex laws of optics that often seem in contrast with reality and can only be resolved through an empirical proof and the exercise of experience. Though Corneli’s works are the visible demonstration of the rigour of the geometric formulae with which they are planned, paradoxically they must necessarily submit to the limits imposed by our current knowledge in the fields of optics and physics. It is precisely in this physical and mental gap between the foreseeable and unforeseeable that the complexity of Corneli’s creative process resides, the suspension “between infinity and sneeze” that makes the fascination of the unforeseen elusive.

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